如同中國當代藝術，東南亞當代藝術在金融海嘯之後，也經歷了一番整理。原本許多(台灣)藏家興致勃勃躍躍欲試的東南亞市場，也出現過一段冷靜。但是，也如同中國當代藝術，在整理期間出現了一群所謂七零後的藝術家。這群七零後的藝術家，並不是因為青春年齡佔優勢，而是在冷靜的市場讓人看到了他們的特點，例如繪畫的語言(繪畫性強，繪畫技巧普遍具有一定水準)，例如更具有國際視野，同時，更重要的，是反過來的，更具有自己文化背景的自信。他們說的不只是國際，也不只是國內，他們說的是他自己背後的文化底蘊，講的是清楚明白的，自己的故事。不是每個出生於一九七零年以後的藝術家都是「七零後」，而是幾位精采的藝術家，在同一個相近的脈絡裡，呼應出了七零後的一些價值。Ay Tjoe，或許是印尼當代藝術裡，最清楚最醒目的七零後吧。一九七三年出生，作為一個職業藝術家，在市場已經默默耕耘了好多年。在拍賣會最火紅的時候，她可能只是個還不太被注意到的，安靜畫著自己作品的女藝術家。而在金融風暴過後，市場冷靜之下，反而，Ay Tjoe帶有纖細的，有個性的，介於抽象又具象的風格，被大家注意到了。

Ay Tjoe出生與學習在萬隆，一般說來，萬隆的新銳藝術家，更具有「思維性」，「當代感」，「新媒材」的色彩，在理性的邏輯與情感上取得平衡。對於Ay Tjoe，萬隆的訓練與養成當然提供了她養分，在她的創作裡，特別是較具實驗性的裝置藝術裡，我們看到了藝術家創作的靈活度。然而，Ay Tjoe更常在日惹創作，作品裡，更重要的不是「當代不當代」的設計感或形式感，她要說的是真實的她自己的表達，更多的，是她內心裡的感受，以及他對於人生的理解，自由而自發性的抒發。在畫布上，藝術家直接用油畫棒以畫布為紙材般塗抹，她說這樣最能感受她最直接的手感。也或許是這樣的題材，這樣的情感，這樣的手感的表達，在東南亞藝術市場裡，除了能喊出高價的資深藏家外，Ay Tjoe累積了許多新興的，也同樣是「七零後」的藏家。這些藏家(許多說著極好的英語，受過最好的西方教育，青春有朝氣，卻有自己的想法，成為印尼今日的一股清新的力量)，看著Ay Tjoe的作品，像是看到了自己的文化，自己的心情。Ay Tjoe的作品像是一面鏡子，而我能明白，面對Ay Tjoe的創作，對於這些藏家而言，就像是看見自己所認同的文化、身分。裡面有一起在這片土地上生活過的，所有不言可喻的符碼。可能一個鮮艷的紅色的跳動，都是一種最簡單的共鳴，或者說是，鄉愁。就像聽著自己的歌，看著自己的小說與電影，觀眾在Ay Tjoe作品前，也像是看著自己的藝術，欣賞著自己的「美」。

「七零後」的藏家已經很有自信，藝術的美，無關乎他符不符合「西方」，符不符合「當代語境」。新生代的印尼藝術家Ay Tjoe，在作品裡，就是真誠的把腦子裡信仰的想法與感受，表達出來吧。

2012年「人跡稀少之徑」或許可以追朔到Ay Tjoe於2011年的裝置個展「路加福音裡著名的一章」(“The Famous One from Lucas”)。Ay Tjoe在這裡講的是路加福音中最常被人提到的，一般被認為是該福音裡面最美的第十五章，「浪子回頭」(The Return of the Prodigal Son)的故事。西方藝術裡，許多關於聖經的「圖像」，對於明白聖經與文化背景典故的觀者，這些圖像一目了然，是文化背景裡很自然的一部分。一般的圖像作品，點出了故事本身的片段情結，有時更多的，有著清楚明白的告誡功用。而最突出的「歷史典故畫家」(History Painter)的創作，或許在說理的背後，往往有更深刻的，人與上帝的對話。因為有了更深厚的人文(humanity)訓練，在與上帝對話的同時，也重新思考與反射出「人」的價值。

浪子回頭的故事裡，要求分家的小兒子，拿到了家產，在經歷了富裕的得意，世俗的愉悅，然後到一無所有，最後痛徹心扉，回到了家，而父親全然接受他。最後這一幕，浪子回頭，父親出迎，抱住兒子的畫面，是西洋美術史上，藝術家們經常描繪的題材。在許多描繪浪子回頭的創作裡，最突出的，應該是林布蘭特(Rembrandt)晚年(1663-65)所創作的「浪子回頭」。畫面裡，小兒子的背影彷彿緩緩透出了他歸家的安穩的心情。看到那個父親的雙手嗎?那嚜溫柔的雙手，輕盈柔軟中，有一種力量。再移到父親的表情與眼神，這雙慈父的雙眼，在情感宣洩的同時，卻也那麼迷惘。這個父親，不一定全然堅定如上帝，他也是個真實的人，也需要被安慰。在人生的過程裡，或許兒子與父親的角色，都同時存在於每個人真實的人生中。於是我們感動了。

林布蘭特的作品如此迷人，或許是因為他不只是一張傳教作品。更多的，可能是一個對話，是藝術家與他所信仰的上帝的對話。因為有了對話，而有了生命，成為一幅讓人感動與省思的創作。

Ay Tjoe的作品，從浪子回頭的故事出發，但是講的，其實是她自己的體悟，不難懂，不玄奧，其實再簡單不過，人人看得懂，因為那也是每個人最基本的故事。浪子回頭的故事不是一個巨大的框架限制住了作者，而是一個啟發，一種靈動。Ay Tjoe 2011年創作的裝置作品，在一個環形的空間裡(如同故事裡浪子歸家的過程)，以她自己的表達方式，嘗試從故事裡父親的心情，來詮釋浪子回頭的故事(最後也同時是藝術家自己的故事吧)。而2012年的「人跡稀少之徑」，或許更自由的，從「浪子回頭」中小兒子的心境，試想「歸家」是什麼?有沒有一條最快速最自由的歸家的路? 展覽取名「人跡稀少之徑」，這條小徑，可能是回家之路，在藝術家心中，這條路，或許孤獨，或許靜謐，然而，不一定要苦苦走至終點，只要心中有家，那個念頭底下，抬頭是家，眼前是家，腳下是家。家，或者說是如家般的心裡的信念所歸，無論走遍天涯海角，都在那一剎那縮短了歸程，而抵達。展覽一共八幅作品，每幅作品都是藝術家歸家的信念，以不同的信念的方式，出現了一條小徑，直抵家門。

作品“When it is the only path of going home”裡，看到Ay Tjoe如何表現那條由白色與紅色相間的一條路。像是一條有著巨大的信念，如同龍捲風般，往前奔騰過去的一條道路。道路中間的紅色，是這條路每隔一段變出現的更大的力量的補給嗎?或者這條路的必經的一些阻礙嗎?我想裡面有藝術家自己的答案，也可以是每個觀眾自己的解答。如同前面一直提到的，Ay Tjoe的作品很自由，我想包括具象的部份，以及抽象的部份，都很自由，該具象的時候具象，該抽象的時候抽象。該自由發揮形體的時候，該自由發揮顏色所代表的直覺的感受的時候，都隨時可以自由發揮，不受限制。作品 “When I see it is the only home #02”，藝術家描繪了一個手上抱著房子的孩子，孩子並沒有五官，但是在他低頭望著房子的身影裡，可以看到一種從內在而出的信念，一種真實而感人的力量。孩子背後的那些物件，或許是世間所有其他物件，此刻，都不重要，都可以拋諸腦後。這樣簡單的題材，或許是因為他的簡單，有了一種很單純質樸的力量。作品“When I freefall to reach home”裡，那個自由落體般降下的人，我想人人都可以感受到，都可以看得懂，大概這條歸家(信念)的路徑，如同拋開一切不必要的束縛，從空中自由落下而抵達。作品“When I construct a way of going home #04”，畫面上像是呼應了作品“When it is the only path of going home”，只是以一種更清爽的態度，有一種自在的，散步般的悠閒，在建造一條歸家的路。

所有這八件作品，在色彩上，出現了許多Ay Tjoe以往不曾使用過的顏色，更明亮些，例如藍與綠的組合；更鮮豔些，例如各種紫色，甚至是黑色的使用(這裡的黑，黑得發亮，也同時點出了其他色彩的亮度)。我不敢說藝術家用色是否更大膽了。我想更貼切的，是這些明亮，自由，不受拘束的顏色所表達的，或許更符合Ay Tjoe在創作這系列作品時的心境，更貼近於她此刻對於「家」的一種理解。同時，相較過去的作品，這次畫面裡刮刀的使用，除了打底外，幾乎看不見了，更多的是直接如同調色盤般的，在畫布上直接用油畫棒塗抹出來的顏色。如果刮刀的效果是一種色彩筆觸上優美的秩序，那麼這些直接的塗抹的色塊，更像是一種無拘束的抒發吧。

兩三年來，去日惹拜訪過Ay Tjoe幾次了。想想與日惹這個地方也有緣分。在旅館的周圍，比較熱鬧的街道上，無數的摩托車與汽車來來往往，紅綠燈不多，人們便自在的從不太有章法的車陣中，自成章法的穿越到了馬路對岸。晚上夜風吹起，年輕的男女們，就在底下是河谷(河谷兩岸的小村落住著人家)，又像馬路又像橋的人行道邊，席地而坐。再離熱鬧的街道遠一些，又是一派清涼的農田景色。如果藝術有作者自己的原鄉，這些印尼本地的生活，以及生活建立出的環境，或許便是造就Ay Tjoe藝術創作裡，源源不絕的力量吧。

「人跡稀少之徑」，這條路徑，是一條路的選擇。如果這條路的選擇，最後通往家的方向，那麼這個「家」，在每個人的心裡與生活狀態下，也有各自不同的「家」的狀態吧。看著這八件關於歸家的作品，我想，或許Ay Tjoe也已經找到了一條，屬於她自己的家的道路。